Kot risanje študije je koristno, da se učimo od mojstrov, ki so prišli prej, da bi dobili navdih in našli načine, kako pristopiti k izzivom, ki se pojavljajo. Za tiste, ki odkrijejo risbo, je več mojstrov, ki se jih lahko naučijo.
avtorice Naomi Ekperigin
Portret Madame d'Haussonville avtor Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafit, 9 3/16 x 7¾. Zbirka Muzej umetnosti Fogg na univerzi Harvard, Cambridge, Massachusetts. |
"Verjamem, da je risanje temelj vse umetnosti, " pravi umetnica Mary Reilly. V tem občutku ni sama. Mnogi umetniki verjamejo, da so risarske veščine ključne za delo v katerem koli mediju, četudi risanje ni eden od glavnih interesov. Že od zgodaj so bili umetniki, ki so risbe cenili kot dokončana dela po svoje. Ti umetniki so še bolj povzdignili medij in pokazali širino možnosti, ki so na voljo tistim, ki želijo še raziskati risanje.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Francoski neoklasični slikar Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) je bil rojen risar. Že zgodaj je oče negoval svoje spretnosti risanja in pri 17 letih je Ingres odšel v Pariz na študij pri Jacques-Louisu Davidu, ki je bil v času francoske revolucije uradni Napoleonov uradni umetniški car. Čeprav je globoko vplival renesančni slikar Raphael in sam nadarjeni slikar, so Ingresove risbe in portreti, po katerih je najbolj znan.
Ingres se je leta 1808 preselil v Italijo, potem ko je osvojil Grand Prix de Rome, najvišjo francosko štipendijo za umetnost. Tam je odkril svojo obrt, ki jo je navdihnilo delo Starih mojstrov. Da bi podpiral sebe in svojo ženo, je sprejel komisije za slikanje države in dokončal na stotine grafitnih portretov za turiste, potujoče dostojanstvenike in bogate emigrante. Ti majhni portreti so "velika umetniška dela, ki se ujamejo v čudež nadarjenosti, lastnosti, poza, kostumi, vzdušja in značaja, " je zapisal umetnostni zgodovinar Stephen Longstreet. "Ljudje so resnični. Na zemlji močno dihajo in obstajajo."
Študentske študije žensk za turško kopel avtor Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, peresnik, rjavo črnilo in grafit na dveh spojenih listih, 6¾ x 4¾. Zbirka Louvre, Pariz, Francija. |
Sposobnost zajema resničnosti je bila posledica njegove tehnične spretnosti in poznavanja anatomije. S takšnim prirojenim znanjem o človeški obliki bi umetnik lahko pravilno upodabljal draperije na način, ki je sledil obliki telesa v vsaki gubi in pregibu. Umetnikova sposobnost ujeti podobnost je izhajala iz njegove predanosti natančnosti, ki jo je razvil z risanjem. Ingres je bil kompulziven risar, ki je študente pozval, naj rišejo z očmi, ko tega ne bi mogli storiti s svinčnikom. Za svoje naslikane portrete in stene je včasih naredil na stotine pripravljalnih risb. Zdelo se mu je, da je ta korak postopka bolj zadovoljujoč kot dejansko slikanje fresk, ki jih je včasih opustil. "Faze so bile: študij iz življenja, izkrivljanje resnice iz izkušenj, trganje, povečanje, prevoz na platno, vrnitev, če je potrebno, k modelu za to ali ono podrobnost, " je napisal Avigdor Arikha v JAD Ingres: Petdeset življenjskih risb iz Muséeja Ingres v Montaubanu, katalog za razstavo v Muzeju likovnih umetnosti v Houstonu. „Prosim grofa de Pastoreta za rokavice ali se vrne v levo roko madame Moitessier in ga nariše v velikosti tako, da ga prenese neposredno na platno, se vrača k njemu vedno znova. Takrat se je Ingres zgrudil. Bil je preobsežen - skoraj obsesiven - postopek, katerega cilj je bil približati resnici zadeve."
Umetniki vseh stopenj se lahko naučijo od Ingresove pozornosti do detajlov. Njegova delovna etika je bila občudovanja vredna in ustvarjal je risbe, ki so bile tehnično prijetne in čustveno odmevne. "Od vseh mojstrov, ki sem jih študiral, sem najbolj užival v delu Ingresa, " pravi Reilly. Med Ingresovimi prednostnimi materiali sta bila močno poudarjen grafitni svinčnik in gladek bel papir. Verjel je, da barva ni več kot dodatek risanju. Zanj risanje ni bilo samo črta. Bil je to izraz, notranja oblika, kompozicija in modeliranje. "To stališče je vplivalo na sodobno umetnost 20. stoletja in generacije umetnikov od Dega do Dinnersteina.
Sedeča gola ženska avtor Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Zbiranje Metropolitana Muzej umetnosti, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Kot Ingres je tudi Pierre-Paul Prud'hon (1758–1823) veljal za slikarja, vendar je risanje temelj njegovega dela. V današnjem času znan po alegoričnih in mitoloških slikah, zdaj njegove risbne figure navdihujejo in omamljajo gledalce. Kot študent umetnosti na Akademiji Dijon v začetku 1780-ih se je Prud'hon posvetil strogemu risanju risb, ki se je zdelo potrebno za vse tiste, ki so si upali na uspešno kariero umetnika. Akadémies - številne študije, ki so bile izpeljane iz živega modela - so bile način, kako so študenti izpopolnili svoje spretnosti, do stotine teh risb so dokončali, ko so bili pripravljeni opravljati svoj poklic. Proces je trajal leta in odpravil številne aspirante, bodisi zaradi pomanjkanja predanosti ali talenta. Čeprav se ta strog in dolgotrajen trening morda zdi okornim današnjim študentom, so bile te risbice risbe ključne za umetnike, mnogi od njih so te študije v svoji karieri ustvarjali za ideje in prakso.
Académie sedečega človeka avtor: Pierre-Paul Prud'hon, črno-bela kreda na modrem papirju, 14 9/17 x 10 ?. Zbirka Museé Baron Martin, Grey, Francija. |
Prud'hon je bil eden takšnih umetnikov in bolj kot njegovi sodobniki se je v svoji karieri oklepal akademije. Mogoče je še bolj omembe vredno, da je Prud'honu te slike risb dajal prednost nad dokončanimi slikami, tudi ko je njegova kariera napredovala. Do leta 1788 je umetnik razvil slog podpisovanja figur, narisanih z barvno kredo na toniranem papirju. Risbe so pogosto sestavljene v več plasteh, vključno z valilnimi in širokimi prehodi toniranja in štancanja. Prud'hon je z mešanjem linij, tonov in različnih tehnik umetnikom predstavil celotno paleto izraznih možnosti krede in papirja. "Prud'honove študije prenašajo močno čustvo, " pravi Reilly. "Njegovi znamki se zdijo ohlapni in svobodni, vendar so odlično postavljeni." Strinja se umetnik Kenneth Procter, "Prud'hon je dokončal nekaj risb, kjer jedro sence teče kot črta po celotni dolžini poze, razkrivajo vsako nianso mišic - to je popolnoma osupljivo. "S svojim poznavanjem človeškega telesa, ki je tako globoko vkoreninjeno, se je lahko osredotočil na svojo temo in ga prepustil življenju, tako da je hitro zaznamoval in se takoj odzval na lastne misli, ne da bi skrbel za anatomijo ali resničnost.
Prud'hon je že v zgodnji mladosti svojemu imenu dodal "Paul" v čast flamskega slikarja Petra Paula Rubensa (1577–1640), ki je bil tudi mojster risar. Prud'hon je delil umetnikovo ljubezen do človeške figure in poglobljeno znanje anatomije, toda tu se njihove podobnosti končajo. Rubens je bil zagovornik baročnega sloga, znan po svojem poudarku na barvi, razkošnih detajlih in dinamičnem gibanju. Prud'hon je na drugi strani odvzel dramatično gibanje in se osredotočil na način, kako se svetloba premika po oblikah. Kar pa se je Prud'hon naučil od svojega predhodnika, je pomembnost nenehnega ustvarjanja novih del, ne glede na slog. Rubens je bil eden najplodnejših in najrazličnejših umetnikov svojega časa, ki je vključeval oltarne slike, zgodovinske slike, portrete in pokrajine, pa tudi knjižne ilustracije in arhitekturne zasnove.
Marijino vnebovzetje avtor Peter Paul Rubens, ca. 1612, rjavo črnilo in rjavo pranje, bela barva telesa in črna kreda na rjavi barvi papir, 11? x 9? Zbirka Albertina Muzej Dunaj, Avstrija. |
Sedeča mlada ženska z dvignjenimi rokami avtor Peter Paul Rubens, 1631–1632, črna in rdeča kreda z belo višina, 16 x 19 11/16. Zbirka Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Nemčija. |
Peter Paul Rubens
Poleg tega je umetnik ustvaril na stotine risb, ki so igrale različne podporne vloge pri njegovem delu od samega začetka kariere. Kot mlad umetnik je večino časa preživel s kopiranjem mojstrskih del; selitev v Italijo leta 1600 je svojo vsebino preusmerila na delo renesančnih mojstrov. Namen risanja del Ticijana, Michelangela in Rafaela ni bil zgolj učenje. Kot poudarja umetniški inštruktor John A. Parks, "je bil to poskus poskusa razpoložljive ikonografije in kompozicij, da bi lahko zbral osebno knjižnico slik za kasnejšo uporabo. Umetnik je na teh risbah najbolj cenil z njihovo osebno kaligrafijo ali kakovostjo upodabljanja, temveč zgolj z informacijami o njihovem oblikovanju."
Rubens je to knjižnico slik uporabil kot navdih za velike oltarne slike, ki so mu jih naročili za ustvarjanje. Ta velika dela bi začel s predhodno risbo v črni ali rjavi kredi, nato bi ustvaril oljno skico. Umetnica se je po tem vrnila k risanju in iz črnih krede izdelala večje kose iz živih modelov. Ta večja risba mu je omogočila, da je vključil več podrobnosti in anatomske natančnosti, in vnesel svoj predmet z živahnostjo, na katero so baročni umetniki ponosni.
Čeprav je Rubens o svojih risbah verjetno malo razmišljal, danes umetniki lahko veliko pridobivajo od njegovih priprav. Njegove risbe so služile kot obogatitev njegovih slik in pomagale so mu v vsaki fazi postopka. Ko je končno dal olje na platno, je imel jasno vizijo in bil je prepričan, kako naj ga usmrti. Rubens je z risanjem razširil svoj vizualni besednjak, kar mu je omogočilo ustvariti na stotine briljantnih del.
Ženska z mrtvim otrokom avtor Käthe Kollwitz, 1903, jedkanica. Zbirka Narodna galerija Slovenije Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Nemška slikarka, grafičarka in kiparka Käthe Kollwitz (1867–1945) je morda bolj znana po svojem predmetu kot po svoji spretnosti. Njeni jedkanice, litografije in risbe so bile predvsem iz delavskih razredov, ki jih je videla okrog sebe, gledalcem pa je predstavila ganljive račune o človeškem trpljenju in boju. Njena globoka čustvena povezanost s subjekti ji je omogočila ustvarjanje umetnosti, ki še danes odmeva z občinstvom, in lahko navdihuje umetnike, ki se želijo spoprijeti z osebnimi in / ali političnimi temami. "Navdušila me je Kollwitzovo zgodnje delo in globina forme, ki jo je dobila zaradi svoje bogate linije, " pravi umetnik in inštruktor Dan Gheno. »Prav tako sem cenil čustveno moč pri njenem delu. Naučila me je, da lahko grem veliko dlje od površinske oblike, če pogledam vase."
Avtoportret avtor Käthe Kollwitz, 1924, litograf. |
Kollwitz je pogosto delal v ciklih, loteval se je teme zgodovinskih vstaj in sprememb. Prva od teh serij je bila The Weavers, ki je bila sestavljena iz treh litografij in treh jedkanic, ki temeljijo na dramatizaciji nemškega dramatika Gerharta Hauptmanna o neuspelem uporu iz leta 1842. Kollwitzova dela niso bila dobesedna ponazoritev zgodovinskih dejstev ali Hauptmannova priredba; namesto tega se je osredotočila na bedo, upanje in trdoživost delavcev. Ko so bila ta dela leta 1898 razstavljena javnosti, je umetnica dobila veliko priznanja in to je še vedno eden njenih najbolj znanih projektov. Kasneje je sledila njena serija Kmečka vojna (1902–1908), ki temelji na uporu nemških kmetov 1522–1525. Umetnica je do te serije veljala za enega najpomembnejših nemških grafičnih ustvarjalcev svojega časa.
Kollwitz je poleg spreminjanja njene vsebine raziskal vrsto tehnik v izdelovanju tiska s temi serijami, vključno s fototiskanjem, intagliom in barvnim litografskim tiskanjem. V tem času je svoje delo poenostavila in za seboj pustila zelo podroben realističen pristop v prid pripovedi o čustvih. Prav ta zavezanost humanističnim temam in čustvena povezanost pomagata razlikovati Kollwitzovo delo.
Portret Igorja Stravinskega avtor Pablo Picasso, 1920, grafit, Zbirka Museé Picasso, Pariz, Francija. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) je umetnik z mednarodnim slovesom, ki je v burnih časih živel v Evropi in uporabljal svojo umetnost za tolmačenje hitrih in včasih nasilnih sprememb, ki so se dogajale okoli njega. Medtem ko je umetnik dokončal na stotine slik, po katerih je dobro znan, so njegove risbe v središču njegovega dela. "Srce Picassovega razvoja kot umetnika in ikone je v njegovem osnutku - tu so nastala njegova eksperimentiranja in vizualni preboji, " pravi umetnica in učiteljica Lisa Dinhofer. Umetnik z globokim poznavanjem osnov in obsežnim akademskim izpopolnjevanjem je Picasso lahko dekonstruiral predmet in ga postavil v najmanj potrebnih vrstic ter dosegel njegovo bistvo. "Potrebno je natančno znanje mojstra risarja, da bi objekt predstavil v najpreprostejši obliki, " pravi Dinhofer. "Ne z zmehčano oznako Conté, ne s prekrivanim nabojem za prostornino, ne v slojevitih odtenkih grafita za modeliranje območja, ampak z direktno črto, ki prenaša vse oblike in prostor."
Nusch Eluard avtor Pablo Picasso, 1938, oglje in grafit na platnu. |
Picassovo linijsko delo je kazalo notranje in zunanje oblike njegovega predmeta, slikovno ravnino pa je lahko zapolnil z odstranjevanjem volumetričnih podrobnosti. To lahko opazimo pri portretih, kot so Max Jacob, Portret Erika Satieja in Helena Rubenstein. Če pogledamo njegovo eksperimentiranje s črtami in oblikami, lahko umetniki razumejo, kako je Picasso prisilil gledalce, da vidijo predmete na nove načine, in še danes potiska naše meje. Njegova mojstrovina Guernica, ustvarjena leta 1937, uteleša umetnikove spreminjajoče se teorije in eksperimentiranje s črto. Kot ugotavlja Dinhofer, „Sestava temelji izključno na sokciji prostora in črte. Notranjost in pokrajina, ki sta upodobljena, sta sploščena, kar vsako figuro potisne v ospredje. Rezultat je nadvladujoč napad … izveden s krepko, neprekinjeno črto, izrezanimi oblikami in stisnjeno slikovno ravnino."