Risba je srce
Osnutek izdelave je osnova samoizražanja. Učenje risanja je najpočasnejši, a najbolj zanesljiv način za doseganje mojstrstva v svoji sliki.
Avtor Juliette Aristides
Risba je srce in duša umetnosti. Vendar je pogosto podcenjevanje in včasih celo strah, saj drugače prizadevni umetniki odvrnejo potreben čas. V šestdesetih, sedemdesetih in osemdesetih letih prejšnjega stoletja je zaradi abstraktnega ekspresionizma, neekpreksionizma in mode za umetnost montaže in instalacije risal vse, kar je izginilo iz učnega načrta večine umetniških šol. Risba se mi je zdela nepotrebna, skoraj stara. Še pred tem, že leta 1924, je bilo učenje risanja drugotno za učenje slikanja, kar je razvidno iz tega opažanja Harolda Speeda: "Risanje, čeprav je prvo (po pomembnosti), je tudi zadnja stvar, ki jo slikar ponavadi študije. V njej je več (risanja), ki se ga lahko naučimo in ki odplačuje nenehno izvajanje napora "(iz prakse in znanosti risanja, ki jo je 1980 natisnil Dover).
Barva je takoj privlačna, ja, oblika pa navdušuje um in tudi oko. Zakaj je risanje, ne glede na temo, tako pomembno? Pomislite na portret, kjer so oči poravnane, ali na pokrajino, kjer je perspektiva usmerjena. Kakršen koli čustveni vpliv bi slika sicer imela, je odpravljena s tehnično napako. Speed je verjel, da se risanja lahko naučimo, in jaz kot učitelj umetnikov potrjujem to resnico. Vsakdo se lahko nauči risati, vendar se, tako kot igranje klavirja, ne bo zgodilo čez noč in brez vadbe. Nekateri umetniki začnejo s objektom, saj so risali že od otrok. V svojem ateljeju vidim takšnega študenta in vidim drugo vrsto, tiste, ki nimajo veščin, vendar so odločeni, da bodo poskusili. Druga skupina prinaša velike koristi, medtem ko tisti v prvi skupini redko tvegajo, da so uspešni. Tisti, ki morajo disciplino vztrajati, postanejo usposobljeni pripravljavci, ki so sposobni obvladati tehnike katerega koli medija.
Akademska tradicija
Trenutno predavam svoj ateljejski tečaj na Akademiji za likovno umetnost v Seattlu. Učni načrt, ki sem ga zasnoval, je strog, skladen z akademsko tradicijo, ki se je začela v delavnicah renesančnih umetnikov in je cvetela v 18. in 19. stoletju, zlasti v umetnostnih umetnikih École des Beaux in Académie Julian. Prejšnja stoletja so razumela, da je treba umetnika temeljito usposobiti za risarja, preden se loti slikanja; pogosto desetletje študija risanja ni veljalo za pretirano. Sprejeto je bilo tudi, da je bilo treba umetnikove veščine ostro odpovedati, preden se je poskušal spoprijeti z velikim predmetom človeške oblike. Šele potem, ko je umetnik pokazal obrt v slikanju likov figur in tihožitja, je lahko začel izražati vitalnost in plemenitost figure. Slikanje človeške oblike od umetnika zahteva ne le, da je podoben, ampak tudi z globino, občutljivostjo in celovitostjo predlaga, kaj je zunaj videza: duša.
Spretnost krepi samoizražanje
Uvodni umetniki so danes rekli, da sama spretnost zavira samoizražanje. Nasprotno, verjamem, da vam učenje umetnikove obrti omogoča izražanje lastne vizije. Tradicionalne veščine so temelj, iz katerega delate vi, umetnik. Ustvarjalnost, ne pa pomanjkanje, je osnova samoizražanja. Nasprotno, biti kreativen brez poznavanja obrti je kot poskušati okrasiti strukturno neokuženo stavbo. Nima smisla.
Menim, da je moje učenje prenos umetniške dediščine, ki bi se sicer izgubila. Ko predavam, poskušam prenašati informacije, ki jih umetnik potrebuje, na razumljiv način. Kompleksne naloge risanja in slikanja postanejo bolj obvladljive, ko jih razdelimo na dele.
Risba je postopek poenostavitve
Nič ni pomembnejšega od risanja. Postopek poenostavitve, akt oblikovanja, sodi v področje risanja. Vse, vsak vidik umetnosti - torej sorazmerje, vrednost in oblika -, vendar barva spada pod področje risanja. Če se umetnica najprej usposobi za risarja, se lahko osredotoči na barvo in ne skrbi, ali bo deleže pravilno dobila.
Eden od paradoksov učenja risanja je, da začetna faza zahteva, da žrtvujete podrobnosti v prid dizajna in kretnje, medtem ko končna faza zahteva, da je vsako območje telesa upodobljeno ali pa bo delo videti splošno in ravno. Učenje risanja zahteva čas; zahteva, da vsak dan črpaš iz življenja. V mojem ateljeju se učenci začnejo z osredotočenjem na risanje; naprednejši študentje preidejo na enobarvno in nato popolnoma kromatsko slikanje. Študenti narišejo ometne vloge, goli model in tihožitja; kopirajo tudi mojstrska dela. Projekti postajajo čedalje bolj zapleteni, saj njihove veščine in zaupanje v te veščine rastejo.
Kako preiti od risbe do slikanja
Obstaja toliko načinov za začetek slike, kolikor je temperamentov. Zdi se mi koristno, če postopek slikanja razdelim na njegove različne sestavne dele: kompozicijo, risbo, vrednost in barvo - na splošno deluje v tem zaporedju. Temelj je močan dizajn; močna zasnova bo vplivala na celotno sobo. Naslednja najpomembnejša komponenta je risanje. Moj cilj je, da je risba natančna in dobro zasnovana. Nato delam na poenotenju vrednosti, tako da temna območja zagotavljajo kontekst lučk. Nazadnje se osredotočim na barvo - tako na lokalno barvo kot na način, kako svetloba vpliva na lokalno barvo.
Delo v fazah: umetniška obrt
Običajno preživim več dni, ko sem delal kompozicijo. Nato rišem direktno na platnu. Risbo oplemenitim z zalitim trajnim indijskim črnilom (tako da naslednji sloj barve ne bo odstranil črte), nanesen s finim čopičem. Nato naredim enobarvno podbarvanje, ki vzpostavi vrednosti. Za to pogosto uporabljam surovo jantar, pomešano s terpentinom; ta mešanica lahko v celoti prekriva površino platna, vendar bodo črte črte še vedno vidne pod njo. Luči potegnem z bombažno krpo.
Delam vedno od splošnega do konkretnega. Začnem z najširšimi razmerji v črti, vrednosti in barvi, preden se osredotočim na manjše odnose znotraj vsakega predmeta ali znotraj vsakega dela. S pomočjo velikega čopiča blokiram v celotnih barvnih odnosih. Večina robov je izgubljena; Skrbi me za povezovanje predmetov.
Na tej točki spet pogledam risbo. Se dobro bere od daleč? Ali obstaja kakšen podrejeni del slike, ki dobiva preveč pozornosti? Ali se mora rob umakniti ali premakniti naprej? Pogosto naredim seznam in se posvetujem s seznamom, ko spreminjam.
Končno osredotočenost na barvo
Zdaj se bom osredotočil na en del slike naenkrat in vsako območje spravil v končno stanje. Trudim se, da so oblike senc enotne in preproste; To naredim tako, da ne dovolim preveč razlike v vrednosti znotraj senc. Nato se trudim osredotočiti na poltone med jedrom sence in lučmi. Če začutim barvo, jo vstavim - ni toliko stvar, da vidim barvo, kot da jo ujamemo iz kota očesa. Verjamem, da bo videti pravilno v kontekstu. Namesto da uporabim katero koli barvo za celotno območje, iščem razmerja barv. Barva v naravi je izjemno raznolika, zelo zapletena in presenetljivo lepa. Dokler sta risba in obseg vrednosti močna, je barva lahko stvar mnenja. Gledalec bo zadržal presojo o tem, kar se zdi verjetno, v prid temu, kar ustvarja umetnik.
Svetloba v temi
Že od začetka sem vedel, da želim biti umetnik. Odraščal sem v Readingu v Pensilvaniji, precej majhnem mestu. Moji starši so se izselili iz Cape Towna v Južni Afriki, kjer sem se rodil. Moj oče je bil zdravnik, mama pa je v mladosti ostala doma. Imeli smo veliko knjig, predvsem zbirko 50 ali 60 monografij o mojstrskih slikarjih. Tudi moja družina je veliko potovala, zato sem videl veliko umetnosti in dejansko kopiral veliko del. Bil sem velik oboževalec Rembrandtovih.
Ko sem bil najstnik, bi si za 2 uri nastavil budilko, da bi lahko bil sam in hodil v temi. Prebral sem veliko filozofije in mislil sem, da je pomembno komunicirati z naravo, še posebej v času, ko je videti, da je ves svet zaspal. Neverjetno je, koliko sem lahko videl; Takrat sem veliko skiciral. Ko si takšnega leta, je življenje tako novo in tako živ. Kot da prvič vidite stvari, kot da je vse vžgano.
Mislim, da umetniki to mladostno intenzivnost nenehno uporabljajo. Ko sem dozorel kot umetnik, se mi zdi, da je moje delo bolj in bolj razodetje. Slikanje doživljam kot dejanje osvetlitve, dela skozi temo do svetlobe. Svetloba je odličen razkrivalec stvari. Imel sem učitelja Myrona Barnstonea, ki mi je nekoč rekel: "Grob je za temo. Pajčevice so za grob. Ko si živ, bi moral praznovati svetlobo. "Ta izjava je odmevala z mano. Fascinantno se mi zdi, da v življenju obstajajo ti trenutki, ko spoznaš, da se dogaja nekaj pomembnega; da se izkušnja ne bo nikoli ponovila; da bo zbledelo in pozabljeno, da se ne bo nikoli povrnilo - razen če ga ne pobarvate. Imeti sposobnost in pridobiti spretnost slikati takšen trenutek in posneti takšno razodetje, je noro čudovito.
Vidiki obrti
Nasveti iz ateljeja
1. Narišite iz mavčnih odlitkov antičnih kipov.
2. Kopirajte glavne risbe. Ta praksa vam bo dala priložnost, da preučite, kako so mojstri preoblikovali naravo z vso njeno raznolikostjo, številčnostjo in podrobnostmi.
3. Misli kot oblikovalec. Največja imitacija ni največja umetnost. Ko rišete iz življenja, poiščite, kaj želite povedati, in poudarite prevladujoč značaj mode modela.
4. Delo od splošnega do specifičnega. Zlahka je prevladati nad kompleksnostjo, ki jo najdemo v naravi, in potrebujejo izkušnje, da začnemo razvrščati, kaj je pomembno, od tistega, kar je nepotrebno.
• Squint med gledanjem predmeta.
• Poglejte skozi barvno steklo ali barvni acetat, da boste lažje videli črto.
• Preden začnete slikati, kondenzirajte vse podatke v majhni skici, na primer 3 × 4 palca. Če se skica dobro prebere iz celotne sobe, ste pripravljeni začeti slikati.
To je celovečerni članek revije The Artist's Magazine (marec 2004). Če ste uživali ob branju tega, kliknite tukaj, če si želite ogledati bolj osupljive umetnine in prebrati druge funkcije iz leta 2004.