Edvard Munch - Videti samo tisto bistveno
Edvard Munch je živel do 80 (1863–1944), več kot dovolj časa, da se je uveljavil kot velik in vpliven umetnik. Premožil je glavna gibanja simbolizma 19. stoletja in ekspresionizma 20. stoletja.
Avtor Karl Ove Knausgård se v katalogu razstav za tega velikega norveškega umetnika sprašuje, kaj bi se zgodilo, če bi Munch "iz takšnih ali drugačnih razlogov prenehal slikati, ko je imel 22." To ni povsem neresna premisa.
Navajeni smo na prezgodnji plamen mladih upornikov v slikarstvu; Caravaggio, Vincent van Gogh, Egon Schiele, Jackson Pollock in Jean-Michel Basquiat podpirajo mitologijo revolucionarja, ki je umrl premlado. Munch, ki je imel že pred začetkom kariere predrzne darila in je sprožil prepir, je bil zasnovan tako, da je sledil temu scenariju.
V mladosti je bil dovzeten za misli o samomoru. Nekoč je v svoj dnevnik zapisal: "Angeli strahu, žalosti in smrti so mi stali ob strani od dne, ko sem se rodil."
Te tesnobe so ozaveščale in zadušile Munchovo delo skozi njegova zgodnja leta - pa tudi njegovo nenehno vračanje k določenim temam, predelavo in prebarvanje najljubših motivov do starosti. Prav tako so bili predmet razstave "Munch: Med uro in posteljo", ki je bila na ogled v Met Breuerju v New Yorku.
Strašna dediščina
Okoliščine zgodnjega življenja Edvarda Muncha so bile mračne. Slikanje je bilo vozilo, s katerim je poskušal smisel stvari. Rodil se je leta 1863 v Løtenu na Norveškem in odraščal v Kristianiji (zdaj Oslo).
Munchovo mladost je zaznamovala tragedija. Tako njegova mama kot najljubša sestra sta umrli za tuberkulozo, drugi sestri pa so diagnosticirali duševno bolezen. Pogosto je bil bolan, podlegel je vročini in bronhitisu. "Podedoval sem dva najbolj strašljiva sovražnika človeštva, " je kasneje zapisal Munch, "dediščino porabe in norosti."
Munch se je kot najstnik izkazal kot dovršen krajinski slikar. Bil je večinoma samouk. Vendar je dobil navodila in podporo nekaterih najvidnejših umetnikov na Norveškem, med njimi Fritsa Thaulowa in Christiana Krohga. Munchova najzgodnejša figurativna dela so naravoslovna, naslikana z gostim in grobim udarcem na način, ki je naklonjen Krohgovim.
Krohg, eden od prvih zagovornikov Muncha, je nekoč pripomnil: "Slikal je, ali bolje rečeno, stvari na drugačen način kot pri drugih umetnikih. On vidi samo bistveno in to je seveda vse, kar slika. Zaradi tega so Munchove slike praviloma "ne popolne", saj ljudje tako z veseljem odkrijejo zase. Oh, da, popolni so. Njegovo popolno ročno delo."
Slike duše
Munch je eksperimentiral z impresionističnimi in postimpresionističnimi slogi. Preselil se je v Pariz, kjer je postal navdušen učenec Léona Bonnata. Od tam je potoval v Berlin, kjer se je družil z umetniki in intelektualci.
Razstavljal je pogosto, svoje delo je prejel na način, ki ga danes imenujemo "polariziran". Ko je Munch leta 1886 razstavil The Bolelo dete, je slika, ki se mu je zdel preboj (istoimensko platno, predstavljeno na razstavi Met, spodaj, je kasnejša kopija), kritična reakcija je bila sovražna.
Prizor, ki spominja na smrt njegove sestre, je po občutku nežen in morbiden. A tisto, kar je šokiralo javnost, je bilo pomanjkanje tradicionalnega zaključka. Poimenoval ga je prvo "slikanje duše", zavračanje tedanjih slogov v korist popolnoma osebnega pristopa.
Njegov učitelj Krohg je gledal navzven in risal figure v kontekstu socialnega realizma. Munch je pogledal navznoter, tako da so vsi njegovi subjekti, naj bodo to figura ali krajina, odražali psihološko stanje.
Vzpon na slavo
Leta 1892 je Munch pri Berlinu prikazal 55 slik. Reakcija je bila spet silovita. Razstava se je predčasno zaprla in društvo se je sčasoma razpletlo, kar je privedlo do berlinske secesije (združenje umetnikov, ustanovljeno leta 1898 pod vodstvom Maxa Liebermana; secesionisti so podprli modernistične trende nasprotovanja tradicionalistom pri državnem združenju berlinskih umetnikov).
Munch je bil znan. Tistega leta je naslikal Sick Mood pri Sunset: Obup, začetni korak k ideji, ki bi naslednje leto kristalizirala s svojo najbolj znano podobo The Scream.
Močno realiziran realizem njegovih prejšnjih slik je do takrat že dodal tekoč nanos pigmenta, ki kaže na sanjsko okolje. In čeprav je rdeče nebo temeljilo na večernem Munch-u, ki ga je videl, se zdi bolj privlačno za čustveno stanje kot za opisovanje atmosferskih učinkov.
Frizura življenja
V tem obdobju, v začetku 1890-ih, je Munch začel delati na seriji slik, ki prikazujejo teme ljubezni, tesnobe in smrti, z naslovom Frizura življenja (Krik je bil sprva mišljen, da pripada tej skupini). V naslednjih nekaj letih je za serijo ustvaril 22 platna - od katerih je veliko med njegovimi najpomembnejšimi slikami.
Vrhunsko delo je bilo Ples življenja, prizor, ki se v poletni noči odvije ob morju, naraščajoča luna je svoj monolitni odsev vrgla na vodo. V ospredju prevladuje par, ki pleše v središču. Ženska rdeča obleka je ovita okoli nog partnerja. Na levi strani nasmejana mlada ženska koraka naprej, da pobere rožo. In po pravici se starejša ženska nehote umakne.
Romantika, poželenje in izolacija delujejo v ritmičnem oblikovanju, ki nakazuje vpliv Art Nouveauja. Čeprav ima tema univerzalne posledice, je Munch v svojem dnevniku zapisal, da so se junaki sklicevali na lastna, pogosto mučna, romantična doživetja.
Norveška in Nocturnes
Za Muncha je bila pokrajina njegove rodne Norveške prežeta s čustveno silo, tudi če ni človeške navzočnosti. Ponujal je tudi teme, predstavljene v slikah, kot sta The Scream in The Dance of Life, ki so umetnika toliko zanimale, da jih je revidiral skozi življenje.
Med številnimi nokturni je Munch leta 1893 naslikal svoje prvo delo z naslovom Zvezdna noč. Temu se je vrnil 30 let pozneje. Prizor v začetnem delu je samota; osvetljen le z zvezdno svetlobo, se odstrani na nekaj bistvenih in precej zlobnih oblik.
Zvezdna noč 1922–24, s svojo valovito ravnino in utripajočimi zvezdami, je precej živahnejši in bolj barvit prizor. Snežne oblike kopnega se spreminjajo med globoko senco in umetno svetlobo, ki so jo ustvarile zgradbe v Oslu. Te lastnosti kažejo smer Manchovega poznejšega dela: še vedno močan v oblikovanju in izvedbi, vendar ohlapnejši, bolj barviti in manj naklonjeni tragičnim temam svoje mladosti.
Avtoportreti
Ne glede na to, ali slika drame človeškega življenja ali pokrajine okoli Osla, je Munchovo delo vedno brezpogojno odkrivalo. Ker je umetnost tako način komuniciranja z drugimi kot sredstvo samozavedanja, je jasno, da bi avtoportret igral pomembno vlogo v Munchevem opusu.
Na razstavi v Metu je bila skoraj tretjina slik dobesednih avtoportretov (v nasprotju s številnimi deli, za katera je umetnik uporabil nadomestke - kot takrat, ko igralec zdrsne v lik - da bi izrazil svoje misli). Najzgodnejši na ogled je iz leta 1886, mladi Munch pa je skozi stranski pogled strgal pigment.
Naslednji avtoportret z naslovom Avtoportret s cigareto - če kdo popusti The Scream kot simbolično samo predstavljanje - je iz leta 1895 in upodablja umetnika, osvetljenega od spodaj, oblečenega v obleko in žari prižgano cigareto. Slog je nenavadno naravoslovni, a nič manj strašljiv kot simbolični govornik, ki ga je izumil.
Munch stoji v praznini teme in se zrcali v ogledalo z eksistencialnim strahom. Barva se nanese v širokih, tankih podložkah modre, črne in vijolične barve po celotni površini platna, razen glave in rok, ki jih rišete izredno previdno.
Razvoj samega sebe
Munchovi avtoportreti sledijo loku njegovega napredka umetnika, ko narišejo njegov fizični in čustveni razvoj. V filmu Night Wanderer, ki ga je naslikal, ko je bil star 60 let, Munch ni nič manj boren kot v mladostnih portretih. Toda samo-dramatizacija se je hitro zmanjšala in notranji prostor je razumljiv.
Dvajset let prej se je naslikal z golimi prsmi ob rdeči steni in naslovil Avtoportret v peklu. Zdaj je v plašču in s starostjo nagnjen naprej.
V poznejših avtoportretih, kot da se je aklimatiziral v zemeljsko okolico, Munch vse bolj zaseda prozaične prostore svojega doma. Ena njegovih zadnjih slik, ki je bila narejena, ko je bil star 80 let, je Avtoportret: Med uro in posteljo - delo, po katerem je Metova razstava dobila ime.
Munch stoji na odprtih vratih v svojo spalnico, ki jih obdaja pohištvo iz naslova. Majhen v kontekstu svojega doma, se nas sooči brez kretnje. Dolgo je že držal.
Umetnik je zaključil produktivno življenje. Mednarodno priznanje je bilo njegovo, vendar se je odločil, da bo svoja kasnejša leta preživel sam, slikarstvo.
Izražanje intenzivnosti izgube
Če Edvard Munch po prvem osebnem delu ni več slikal, bi ga spomnili kot zanimivo radovednost. Kar je nadaljeval v svojih 20-ih in 30-ih letih, je presenetil zaradi svoje surove poštenosti. Je kdo umetnik pred njim razvozlal tragedijo osebne izgube za odprto javno ocenjevanje, kaj šele s tako vizualno inteligenco?
Munch se je s simbolizmom in Art Nouveaujem ločil, saj njegovi darovi oblikovanja in barv niso bili v službi oddaljenih abstraktnih idej ali pripovedovanja zgodb o drugih ljudeh, temveč za razumevanje in sporočanje intenzivnosti izgube v njegovem lastnem življenju. Odpel je akord, ki je bil vzhoden za severnoevropsko slikarstvo vsaj toliko kot Dürer. In igral jo je v veliki glasnosti.
Ko se je postaral, se je Munchov ton zmešal. Toda njegov obseg - nujen občutek, da je izrazil misli na slikanje, ki je bilo doslej šepetano, - ni bil umirjen.